本书初版于2000年，是德国著名艺术史家托马斯•普特法肯以在伦敦大学学院开设的德宁•劳伦斯讲座的相关内容为基础，撰写的一部关于绘画中视觉秩序理论的专著。 全书共分十二章，以构图的概念演变为主线，分析了“构图”一词如何从文艺复兴时期所指的各部分之间的连接，发展至现代意义的画面整体秩序；从阿尔贝蒂、琴尼尼、瓦萨里到范曼德、普森、德皮勒，追溯了这一西方绘画中最基本的概念与原则是如何流变，又如何影响艺术及艺术理论的发展。作者从意大利大型壁画入手，论及故事情节的意义大于画面形式，因此导致构图概念一度被忽视；作者还将构图看作是17世纪绘画理论的一次发现，切入法国绘画及其相关理论，思考架上绘画的产生对新的构图观念的影响。 本书以新颖的视角探索画面秩序的各种问题，其观点充满启发性与洞察力，对艺术理论学者和艺术爱好者而言，都不失为一部值得反复研读的佳作。

本书聚焦于西方艺术史的几个关键片段。作者探索光学理论及其相关领域的发展演进与西方绘画的互动。首先探讨了光学在古代和文艺复兴早期的起源，然后聚焦于文艺复兴初期的佛罗伦萨，再将视野拓展到欧洲北部，关注与光学紧密相关的地图学，最后用镜子这一隐喻来探讨绘画的道德意涵，指出光学理论的应用促成了现代西方主体性理论的形成。作者总结说，光学与绘画的互动对西方艺术至关重要，甚至影响到当今的摄影与电影。

编辑推荐 安妮·霍兰德在她的第一本书《透过衣服观看》中提出，不断变化的服装时尚是“与形象塑造的创造性传统相互关联的环节”，甚至我们感知和表现裸体的方式也受到艺术家描绘人体衣着方式的影响。霍兰德在《视觉的织物》一书中，继续探索艺术家们使用衣服和悬垂织物的方式，以强化所描绘的人物并赋予其情感力量。 作为观众的我们，往往对服装所表达的蕴含意义感到一片茫然。例如，当我们观看中世纪或文艺复兴时期的圣经场景画时，大多数人都不知道所描绘的衣服是历史上的服装、传奇的服饰、最新的时尚，还是它们的某种组合。在对具体画作的分析中，霍兰德解释了在描绘人物时为何选择特定的服装，以及这些风格意味着什么。 阅读这本书就像让霍兰德这位艺术史和服装历史学家陪同我们逛最棒的艺术博物馆，帮助我们通过对服装、衣饰褶皱，以及身体（无论是穿衣还是裸体）的密切关注，真正欣赏并理解艺术作品。 霍兰...(展开全部)

-编辑推荐- ● 法国著名哲学家雅克•德里达的重要代表作，艺术爱好者和哲学思考者的必读之作 本书展现了德里达对艺术的独到理解，带领我们穿越艺术与哲学的迷宫，适合所有对艺术哲学、美学和文化批评感兴趣的读者。 ○ 深入艺术的哲学之旅，探索艺术与真理的交汇点 这是一次思想的冒险，它挑战了我们对艺术作品的理解，揭示了艺术作品背后隐藏的真理，引导我们重新思考艺术与真理之间的关系：艺术作品如何表达真理，以及这种表达与哲学和科学真理的区别。 ● 解构主义视角下的艺术解读，开启艺术与真理的对话，跨越艺术与哲学的界限 德里达运用他标志性的解构主义方法，对我们如何感知和评价艺术提出质疑。本书是对传统美学观念的一次大胆挑战，为读者提供了一种全新的艺术欣赏方式。 -内容简介- 本书是法国著名哲学家雅克•德里达的重要代表作之一，是一部探讨艺术、哲学和真理之间关系的著作。德里达...(展开全部)

用日常经验品赏绘画，让如许名作重返日常！著名作家徐则臣、作词人周耀輝、出版家聂震宁诚挚推荐！委拉斯凯兹笔下吃早餐的人，梵高画中的卧室，以及毕沙罗与西斯莱描画的雪景，虽说隔着数百年时空，却分明就是身旁流动的人事与风景，抬眼可见、触手可及。画中的草木山林与柴米油盐之所以如斯传神，应是画家长久且耐心注视生活的缘故吧，而艺术与生活之间的互动互通，也足够滋养爱艺术的我们，在寻常日子的边角与缝隙中，找到些感动与启迪。

米克·巴尔（Mieke Bal），阿姆斯特丹大学文艺理论教授，著名文化理论家，阿姆斯特丹大学文化分析学院创立者，西方人文学界前沿跨学科学者，学术兴趣广泛，曾用英、法、荷兰文撰写出版各种著述四十余部，在叙述学、女性主义研究、符号学以及艺术史研究领域有着广泛的影响力，其在中国已被译介的著作有《叙述学：叙述理论导论》（谭君强译）。

在古典油画中，除了宗教、皇室，被描绘得最多的主题便是希腊和罗马神话了。画家用油画来表达神话故事，不仅为以往苍白的想象添上了具象的形象，也让这些神话故事更直观地传播了下来，成为史学家研究古典文化的重要资料。 古典神话人物繁多，奥林匹斯山上的众神、冥界众神、海洋众神……加起来有几千位。而不同的画家绘画风格不同，即便是同一个神，在他们心中的样貌也不同。本书精选最著名的50则神话故事，配以著名画家波提切利、拉斐尔、提香、鲁本斯、毕加索等的相关作品，以绘画生动而优美地解读神话。

该书分四部按16世纪至17世纪初期、17世纪中期至18世纪晚期、19世纪初期至中期以及19世纪后半期至20世纪初期分别介绍了各时期传统绘画中的朝鲜饮食。具有如下特点。 第一，详细介绍了朝鲜的传统饮食及其发展历史，所用资料丰富翔实，视角新颖独特，解说可信度高。该书把朝鲜著名画家金弘道、申润福、金得臣等人的二十余幅作品作为分析对象，饶有兴致地探讨了画中出现的各种饮食及其演变过程。 第二，将朝鲜的传统饮食作为主要的探讨对象，并通过饮食窥探朝鲜的风俗，从而生动地再现了从黎民百姓到官宦富贾的生活百态。图中既有背负坛坛罐罐叫卖的商人，也有走街串巷吆喝的小贩，还有冒着朝廷禁酒令偷偷地过把酒瘾的官吏，更有大摆王母寿宴的朝鲜国王。可以说，这些丰富多彩的画面，正是朝鲜时代风俗民情的高度缩影。 第三，图文并茂是该书的一大特色，该书所引用的画作不仅极具代表性，而且作者的文笔...(展开全部)

巫鸿的这部新著希望突破传统“仕女画”、“美人画”概念的藩篱，为理解女性题材绘画打开新的视野。虽然他讨论的是以女性为主题的绘画，但其目的不是研究传统意义上的仕女、美人或任何自给自足的图像类型，而是再一次思考画像艺术(pictorialart)的核心因素——这些因素包括画面的构成、意义的生产、历史的对话，以及作品与观者间的互动。之所以把女性题材绘画作为探索这些问题的一个园地，既是由于这些作品令人惊异的丰富性和复杂性，也是因为这种丰富性和复杂性尚有待于发现和证明。

艺术史研究中长期以“仕女画”或“美人画”来表述以女性为主题的绘画作品，但这样的术语不仅相对晚出，在形成过程中还带有一定的画科定位和评论取向，也无法囊括所有围绕“女性”产生的绘画作品。本书中，巫鸿先生提出了“女性题材绘画”这个概念，并引入“女性空间”作为讨论的核心，意图把被孤立和抽出的女性形象还原到它们所属的图画、建筑和社会环境中去。 围绕“女性空间”，作者梳理了从战国到明清各个历史阶段中女性主题绘画的发展状况——从武梁祠的列女画像砖到南北朝的《洛神赋图》，从青楼名妓的自我表现到展现理想化美人的《十二美人图》，以图文并茂的方式，展现“女性”在各种绘画场景和时代中的不同呈现，重构其所从属的原作；结合艺术评论、时代背景等因素，深度挖掘作品背后审美价值和商业价值的相互影响，进而思考女性题材绘画在社会、宗教与文化环境中的意义。